Suite de notre leçon sur le développement de votre personnage. La première partie de cet article se trouve ici.
L’adversité au service de votre personnage.
Toute œuvre dramatique emporte avec elle son lot d’adversité. Une histoire qui fonctionne macère dans le conflit et l’adversité. S’il n’y avait pas de problème, le goût serait bien fade.
Le drame, la comédie, la romance… Tous les genres sont concernés par la façon dont votre héros va gérer ses problèmes. Le voir ainsi se battre contre l’adversité soulève immanquablement son lot d’émotions.
Nous vous livrons ci-après quelques pistes, quelques caractéristiques que vous pourriez intégrer dans la constitution de votre personnage ou bien quelques situations dans lesquelles votre personnage pourrait se trouver et qui l’obligerait à se révéler, à découvrir sur lui des choses nouvelles partagées, bien sûr, avec le lecteur.
L’ intégrité physique
La maladie, une blessure ou la mort sont des problèmes qui peuvent frapper votre personnage. La menace seule de ces soucis a le même impact émotionnel sur un lecteur. Vous pouvez donc utiliser le problème en l’assumant complètement ou bien seulement en projetant son ombre sur le chemin de votre personnage.
Souvenez-vous qu’il n’y a rien de plus terrible que d’être face à sa propre mort ou à celle d’un être aimé.
Les types de situations où l’intégrité physique d’un héros (ou d’un personnage qui lui est proche) est menacée fonctionnent très bien. Si votre scénario s’y prête, ne rejetez pas cette idée.
Les désirs insatisfaits
Tous les personnages ont des besoins et des désirs insatisfaits. Ces désirs qui taraudent un personnage sont de l’ordre du conflit interne. Essentiellement, le personnage veut quelque chose qu’il n’a pas. Et il passera tout le script à tenter de se le procurer.
S’agissant d’une motivation intérieure, il est de votre ressort de trouver le moyen d’externaliser cette insatisfaction personnelle. De trouver les actions à faire faire à votre personnage afin que le lecteur puisse comprendre ce qui l’anime intérieurement. D’inventer les situations qui rapprocheront ou éloigneront votre personnage de son but véritable, à savoir combler ce désir insatisfait.
Samuel Blumenfeld dans Le Monde-Télévision du 25/26 mai 2014 a écrit à propos de La valse des Pantins que le film décrit « le malaise d’une civilisation obsédée par la célébrité, le besoin de reconnaissance, et où la réussite se vit et s’expérimente sur le mode de la performance scénique ».
Ce besoin de reconnaissance dont souffre Rupert Pupkin est mis en évidence dans la scène du sous-sol où Rupert assis entre les silhouettes en carton de Liza Minelli et de Jerry mime une conversation entre eux trois dans un talk-show.
Un fantasme qui sera ensuite interrompu par la mère de Rupert qui l’appelle pour diner. Le script de Paul D. Zimmerman nous montre ainsi la profondeur de son besoin et sa volonté à le satisfaire ainsi que le conflit de Rupert avec le reste du monde.
L’incompréhension de la situation
Lorsqu’un personnage ne comprend pas la situation dans laquelle il se trouve, que les faits ne lui parlent pas, il va être amené à porter un jugement érroné sur ceux-ci. Ainsi, il fera des choix ou adoptera des comportements qui révèleront chez lui certains traits de caractère. L’incompréhension s’accompagne souvent par des mensonges ou des élucubrations abracadabrantes destinées à tromper le héros et lui faire adopter un point de vue sur le monde qui contrarie son objectif.
Il en est ainsi du Renard et du Chat dans les Aventures de Pinocchio qui entraînent Pinocchio avec eux jusqu’au Champs des Miracles pour faire pousser des sequins. En considérant que Pinocchio est totalement dominé par le principe de plaisir, il ne voit que le bon temps qu’il pourra s’offrir avec la récolte.
L’incompréhension peut servir à montrer une immaturité du personnage, à appuyer sur la faiblesse majeure dans sa personnalité. Un principe important dans l’écriture de script est de lier les événements par une relation de cause à effet. Quand un personnage se fait leurrer, cela conduit logiquement à d’autres épreuves où le personnage devenu méfiant par son expérience précédente surmonte l’obstacle.
Le déplacement
Lost in Translation est un exemple parfait d’utilisation du déplacement pour mettre en exergue l’isolement d’un personnage, la perte de repère, une indigence émotionnelle. Le déplacement consiste à sortir un personnage de sa zone de confort pour l’envoyer vers un lieu inconnu. Ne connaissant pas les règles de cet espace, le personnage se sent alors perdu. Cela peut le mener à quelques comportements erratiques justifiés par ce déplacement.
Tout comme le héros qui se lance dans son aventure, le personnage principal devra apprendre certaines leçons avant d’accomplir son objectif ou bien de devenir quelqu’un d’autre. Les enseignements reçus lui permettant de comprendre sa vraie nature, le personnage peut enfin s’accomplir.
Le déplacement peut aussi ne concercer qu’une scène ou une séquence. Conséquence d’une action ou d’un événement précédents, le héros se retrouve dans une situation qu’il ne contrôle pas. Vous pouvez marquer ainsi chez lui un sentiment d’impuissance. Cette dernière est une sensation souvent ressentie par les héros, quels qu’ils soient.
Dans Complots de Brian Helgeland, Jerry Fletcher se fait enlever et torturer en un lieu secret. Il est complètement à la merci de ses bourreaux. Il est complètement impuissant. Le seul moyen de résoudre cette situation délicate est de s’échapper, ce qu’il réussit à faire. C’est normalement la résolution logique d’un déplacement. Ce dernier consistant à désorienter totalement le héros mais surtout à lui permettre de trouver en lui les ressources nécessaires et insoupçonnées qu’ils n’auraient pu découvrir autrement.
Le déplacement est un bon outil dramatique pour révéler chez votre personnage des traits de caractère ou des états d’âme lorsque vous rencontrez quelques difficultés à l’exprimer autrement.
Dans le cas de Complots, le déplacement de Jerry dans le lieu infernal permet aussi d’asseoir la détermination et la cruauté de son antagoniste.
